如今最令人難忘的音樂企劃正如同平行世界般運作——從MV、海報到舞臺設計，每個元素都服務于統一的創意愿景。讓我們看看頂級音樂人及其創意團隊如何重塑樂迷體驗。
七月底，Chappell Roan發布新單曲《The Subway》時，同步推出了一支音樂視頻：紅發少女如童話中的長發公主，在朦朧虛幻的紐約街頭逃離舊愛幽靈。這首分手情歌以頭發為隱喻，詮釋了心碎的情感重量。正如我刻意的雙關暗示，這位流行歌手與長期合作的創意人Ramisha Sattar在紐約街頭張貼"失戀了？剪劉海吧！"的撕拉式海報預告新歌，將情感具象化為視覺符號。Roan在Instagram坦言，過去一年的混亂讓她險些沒有時間"為歌曲構建應有的世界"，慶幸最終沒有倉促完成這個項目。
縱觀當代音樂創作版圖，這位"網絡中西部公主"并非唯一執著于打造獨特視覺語言的藝術家。當今音樂人普遍致力于構建貫穿周邊商品、專輯封面、舞臺設計到社交媒體的一體化形象。若認為這種世界構建是新生事物就大錯特錯了——自上世紀中葉起，從披頭士的《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》到David Bowie創造的Ziggy Stardust人格，強視覺敘事便是音樂工業的傳統。近十五年來，Lady Gaga持續塑造著不同藝術階段的角色設定；坎耶·韋斯特的《My Beautiful Dark Twisted Fantasy》和Solange在《When I Get Home》中對美國的科幻重構，都為樂迷提供了可深入探索的視聽迷宮。
但過去五年間，世界構建幾乎成為音樂人的隱形門檻——唯有突破信息過載的數字空間，為觀眾制造逃離現實的時刻，才能獲得回報。Sabrina Carpenter、Chappell Roan或Olivia Rodrigo等看似"一夜爆紅"的歌手，實則通過敘事與視覺世界的構建乘上了TikTok病毒傳播的浪潮。作家Coco Mocoe在Substack文章中指出，Carpenter第六張專輯《Short n' Sweet》的成功，正源于她打造的"厭倦生活的完美主婦"美學——這種風格在數字媒介、平面設計和舞臺呈現中保持高度一致。"她拒絕打破這第四面墻。"Mocoe寫道。
"如今難以預判什么會引發樂迷共鳴...因此構建貫穿各平臺的統一世界至關重要，它必須深植于藝術家的基因中。"
——Holly Williams
2024年2月，平面設計師Bijan Berahimi在波特蘭當代藝術中心策劃了《Eyes and Ears: 2020-2024音樂視覺普查》展覽，通過巡演海報、MV和黑膠包裝等素材，梳理音樂行業這一轉向。展覽涵蓋Chappell Roan、Steve Lacy等音樂人的視覺資產，Berahimi表示："音樂視覺文化常被置于歷史語境討論，比如迷幻海報或爵士封套，但鮮少有人系統探討當代創作。"
參展作品Charli XCX的《Brat》正是通過極致考量的視覺敘事獲得主流成功的典范。從拼寫為小寫"brat"的酸橙綠封面，到邀請網絡爭議"it-girls"出演MV，每個細節都精準服務于"叛逆美學"。Lorde在BBC Radio 1訪談中坦言，《Brat》"大師級的視覺定義"激勵她為新專輯《Virgin》強化敘事："當同行設立這樣的標桿，我們必須迎頭趕上——許多音樂人都有同感。"
《Eyes and Ears: 2020-2024音樂視覺普查》展覽現場 ? Fisk
"視覺身份已成為樂迷緊密依附的核心要素。"
——Bijan Berahimi
Studio Island創意總監Holly Williams指出，雖然沉浸式世界構建始終是重點，但近十年的變化在于藝術家需要覆蓋的線上線下觸點呈指數增長。"可能是MV，也可能是15秒的采訪片段——必須確保所有平臺都呈現符合藝術家基因的 cohesive 世界。"她合作的The Last Dinner Party樂隊首次會議就帶來70頁視覺參考手冊，從啟發他們的電影到平面設計靈感，形成完整的視覺表達準則。這種堅持體現在其致敬大衛·林奇的Brits頒獎禮演出，以及新專輯《From the Pyre》信息密集的封面上。
Berahimi注意到音樂人對平面設計的理解深度前所未有："社交媒體的普及讓藝術家接觸大量視覺資源，激發他們為樂迷創造更用心的作品。"他為Aminé、Raveena等移民后代音樂人工作時，發現文化根源正成為視覺語言的重要部分："弗雷迪·默丘里鮮少提及印度血統，但現在Fisk合作的音樂人主動探索文化歷史——比如Raveena的南亞傳統讓我們能從寶萊塢老海報中汲取靈感。"
The Last Dinner Party專輯《Prelude to Ecstasy》視覺設計 ? Island Records/EMI
洛杉磯創意工作室See You Later的聯合創始人Darrius Medina和TJ Hoover認為，對獨特性的追求源于后疫情音樂文化與TikTok的爆發。"僅僅'酷'已經不夠了，"TJ解釋，"設計必須源自意義，串聯更大敘事。"他們為Missy Elliott、Sabrina Carpenter設計的舞臺如同克隆工廠，傳送帶和復制造型舞者具象化了Doechii"獨一無二"的專輯主題。"我們思考的是如何強化而非分散藝術家的核心敘事，"Darrius補充。例如Carpenter的60年代復古魅力宇宙，就為舞臺設計提供了連貫的視覺基礎。
表面看，奇觀似乎是成功音樂企劃的保證，但兩位創始人強調關鍵不在預算，而在于堅持單一愿景。"像Olivia Rodrigo與紫色的強關聯這樣簡單的選擇，就能建立辨識度，"TJ指出。在這個病毒傳播可能帶來短暫名氣的時代，即使小規模的世界構建也能讓觀眾步入一個可供多年回味的視覺景觀。
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